程宏谊：美国艺术三百年（三）

20世纪50年代末，美国艺术步入了令人眼花缭乱的多元时期。新潮绘画、雕塑以及各种新奇的艺术形式纷纷登场亮相。乔治亚·奥基夫是美国现代艺术的重要代表人物之一，以表现半抽象风格的花卉著称，作品色彩鲜明，层次柔和（图92）。1917年，奥基夫在纽约的291画廊举办了自己的首次个展，291画廊老板阿尔弗雷德·施蒂格利茨是一位资深摄影家，他对奥基夫的才华给予了全力支持，1924年，两人结为夫妇。施蒂格利茨的摄影代表作中就包括了为奥基夫的双手拍摄的照片（图93）。奥基夫对都市景观和新墨西哥地形风貌的描绘画面新颖简洁，很受大众的赞赏（图94、95）。青年时期的查尔斯·德穆思是一位水彩画家，后受立体主义风格的影响，成为美国的先锋派艺术家，在他的作品中，经常会使用一些词语、数字、图形等标志性元素，代表作《金色数字5》现被收藏在纽约的大都会艺术博物馆（图96）。马斯登·哈特利曾在他的艺术生涯中尝试各种不同的创作风格，到了1913年，他受到康定斯基的影响，完成了“自发的、下意识的、或宇宙般的抽象作品”。1915年，哈特利的好友、德国军官卡尔·冯·弗赖贝格在一战中阵亡。作为对好友的哀悼，他创作了一系列色彩艳丽的半抽象作品，将铁十字勋章、军旗、字母、数字等象征物混合在一起，这些被命名为《命运》的画作使哈特利成为了美国抽象画派的先锋之一（图97）。阿瑟·多弗是美国较早从事抽象绘画创作的画家，甚至有人认为他是美国首个真正意义上的抽象主义者（图98）。1958年，弗兰克·斯特拉从抽象表现主义转向一种极度简化、严格排列的风格，成为60年代极简艺术的前奏（图100）。阿伦·道格拉斯的创作受到《圣经》、黑人神明和非洲裔美国人历史学的启发，他将象征主义、立体主义和非洲雕塑进行融合，绘制的形体经过简化，并在风景或几何形式结构的建筑物中发生变化（图101）。吉姆·丹恩是美国环境艺术及偶发艺术的创始人，曾师从抽象表现主义画家霍夫曼，他的作品通常是利用日常生活中的服装、树木和“作为情感语汇”的心形标志，用以表达自己的独创性（图102）。

“构成主义”雕塑家戴维·史密斯是铆工出身，受毕加索的启发，他成为美国创作金属焊接雕塑的第一人，史密斯反复用隐喻手法刻画干枯、瘦削的形象和结构，表现贪婪、暴力等丑恶现象（图103）。生于希腊的卢卡斯·萨马拉斯曾在哥伦比亚大学攻读拜占庭艺术史，他的作品充满了痛苦、残忍和毁灭的幻想，并使用了针、刀片和其他可以穿孔和切割的物体，在感觉上高深莫测而又十分猛烈（图104）。唐纳德·贾德是“极少主义”的代表，他的理论是“单纯就是庄严、肃穆、凝重，从而获得震撼人心的力量”（图105）。乌克兰裔女雕塑家路易丝·内维尔森于1905年移居美国，1932年起作为墨西哥画家里维拉的助手参与壁画的创作。50年代起，内维尔森开始雕塑创作，她以制作雕塑化的墙面而著称，盒子、椅子等日用品成为她最常用的材料。她很重视作品的形式美，也强调宗教的奇异力量。60年代后，她还制作了大量室外环境雕塑，材料运用上扩展到钢材和铝合金，她在美国被誉为合成和环境雕塑的代表人物（图106—109）。

日裔美国雕塑家野口勇（图110）热衷于抽象艺术创作，并涉足环境设计及室内装饰设计领域。他为巴黎的联合国教科文组织总部、纽约的曼哈顿广场等公共场所设计了雕塑公园，开创了大地雕塑实验的先河（图111、112）。

亚历山大·卡尔德在全球享有盛誉。1919年，他开始在新泽西州从事工程技术工作，1927年转向艺术创作，之后受米罗、莱热和蒙德里安等人作品的启发，成为制作“大型抽象结构雕塑”的大师。他的重要贡献在于：创造出奇妙的形状，以及雕塑在空间具有活动性。他的艺术为雕塑家打开性体验领域，并为雕塑同建筑的联系开创新的机会，从而被誉为“活动艺术”的先驱（图113—115）。

20世纪60年代，新生的波普艺术引起美国艺术界的激烈争论，美国现代艺术领域上演了最为壮观的一幕。有人主张将波普排除在艺术范畴之外，但波普艺术家的口号是：艺术不应该是高雅的，而应该等同于生活。乔治·西格尔于50年代从绘画转向雕塑，他的雕塑作品有完整的场景，场景内的人物都由真人翻制成石膏人像，放置在诸如加油站、公共汽车等僻静地方。这些白色人物面貌特征模糊，无奈和孤立的形象反映了现代人的孤独感和异化状态，具有一种存在主义的哲学意味（图116）。杜安·汉森的箴言是：只要时间停止，处处都是雕塑。他的作品从不表现生活中充满欢乐的人物，也不再现欲望和激情，人们称他的雕塑具有“真实的抒情性”（图117）。罗伯特·劳申伯格早在20世纪50年代就把实物放进自己的作品，他是当之无愧的波普艺术先锋人物。作为一名波普艺术家，劳申伯格致力于各种试验，包括在艺术创作中使用电子学，成为“艺术和技术试验社团”的创建人（图118、119）。

罗伯特·印第安纳以文字和符号作为创作元素，他的公共环境雕塑作品《LOVE》于1973年被当作主题素材，登上了美国首次发行的《情人节》邮票（图120）。托姆·韦塞尔曼（图121）试图在真实的世界和艺术的世界之间造成张力，作品的形象具有强烈的性意识，常常让人想到日常生活中的女人（图122）。来自瑞典的克莱斯·奥尔登伯格自1968年起使用木材、石膏等材料塑造属于美国文明的大型手工制品，他把汉堡包、羽毛球、木夹子、坐便器等都做成了“雕塑作品”，既有讽刺意味又有令人迷惑的效果（图123、124）。罗伊·利希滕斯坦（图125）的创作是从抽象主义转变为波普艺术的，他将杂志上被人随看随扔的连环画作为自己的创作元素。利希滕斯坦说：我运用的只是别人的作品，但这是一个属于我的作品，因为那是我的风格（图126—129）。波普艺术的标志性人物是来自匹兹堡的安迪·沃霍尔（图130），他的作品既像是陈列在货架上的商品，又像是杂志之类的印刷品。沃霍尔还利用丝网印刷技法制作著名人物肖像，包括猫王、切·格瓦拉、玛丽莲·梦露等（图131—133）。此外，坎贝尔汤罐也是他热衷于表现的题材（图134、135）。由于沃霍尔将艺术做得最不像艺术，他因此而成为知名度最高的波普艺术家。

有人说乱涂乱画是小孩子的行为，但基斯·哈林却以此为乐，他把自己的画作涂抹到纽约的地铁和各种公共建筑的墙壁上，在警察眼里，这种行为与随地大小便没什么区别。哈林模糊了不入流的街头艺术和陈列在美术馆里的经典艺术品之间的隔阂。他的作品《儿童收容所墙上的涂鸦》（图136）还登上了法国的《艺术系列》邮票，成了自己的艺术名片。纽约是一个百态丛生、无奇不有的城市，海地移民让·米歇尔·巴斯基亚，一个游荡在纽约街头的小混混，一个从未进过专业美术学校、连高中也没有毕业的失学青年，竟然在20世纪80年代，奇迹般地成为西方艺术圈里炙手可热的大艺术家，成为迄今为止进入美术史的唯一一位黑人画家。20世纪70年代后期，巴斯基亚开始混迹于地下涂鸦爱好者的聚集地，他的艺术天赋在涂鸦艺术上得到了充分的释放。1980年，巴斯基亚在时代广场举办的反正统文化的画展中脱颖而出，开始了他毁辉煌而又短暂的艺术生涯（图137—139）。

波普艺术和涂鸦艺术的社会效应可以被认为是一种时代的进步，即当代人敢于展示自己琐屑的世俗生活，鄙夷高雅，认同渺小。